„Singulières“ im LaM: Werke jenseits der Etiketten betrachten

Im LaM vereint „Singulières“ mehr als 300 Werke von 70 internationalen Künstlerinnen. Die Ausstellung hinterfragt Kategorien und Auslassungen, die den Platz von Frauen in der Kunstgeschichte geprägt haben.

Mehr als 300 Werke von 70 internationalen Künstlerinnen sind im LaM in Villeneuve-d’Ascq für die Ausstellung „Singulières: Künstlerinnen, Autodidaktinnen, Befreite“ zusammengetragen. Sie ist vom 3. Oktober 2026 bis zum 14. Februar 2027 zu sehen und lädt dazu ein, Künstlerinnen, die lange im Schatten standen, mit anderen Augen zu betrachten – und die Kategorien zu hinterfragen, die dazu beigetragen haben, sie dort zu halten.

Die Zahl vermittelt einen Eindruck vom Umfang des Projekts; entscheidend ist jedoch, wie die Werke in einen kunsthistorischen Zusammenhang gestellt werden. Das LaM erklärt, Künstlerinnen zusammenzubringen, die anonym oder autodidaktisch sind, der Art brut zugeordnet werden oder sich jeder Kategorisierung widersetzen. So werden unterschiedliche Lebenswege und künstlerische Praktiken nebeneinandergestellt, ohne zu behaupten, die Bezeichnung Art brut reiche aus, um sie zu definieren.

Eine Kategorie, die genauer betrachtet werden sollte

Der Begriff „Art brut“ erscheint hier neben mehreren möglichen Bezeichnungen und nicht als gemeinsame Identität, die allen Künstlerinnen zugeschrieben wird. Dieser Unterschied ist wichtig. Die Bezeichnung „autodidaktisch“ gibt Auskunft über die Ausbildung einer Künstlerin; „anonym“ darüber, wie ihr Name überliefert oder bewahrt wird. „Art brut“ wiederum verweist auf eine Klassifizierungskategorie. Die Begriffe beschreiben also nicht dasselbe und sollten die Betrachtung der Werke nicht ersetzen.

Die Ausstellung, die auf Grundlage der Sammlung von L’Aracine und zahlreicher Leihgaben konzipiert wurde, möchte Künstlerinnen sichtbar machen, die in kunsthistorischen Erzählungen lange eine Randstellung einnahmen. Das LaM versteht diese Gegenüberstellung als Möglichkeit, den Platz von Frauen in der Kunstgeschichte zu hinterfragen. Das Ziel ist klar: Die Aufmerksamkeit soll sich von den Etiketten auf die Werke, ihre Formen und die Lebenswege richten, die sie sichtbar machen.

France Culture beschreibt fünf Abschnitte des Rundgangs. „Das Unsichtbare zeichnen“ widmet sich unter anderem medialen Schöpfungen von Hélène Smith, Madge Hill und Laure Pigeon. „Pflanzliches“ stellt andere Formen und Praktiken in Beziehung zueinander; „Von dir weiß ich nichts“ hinterfragt die Unterdrückung der weiblichen Stimme. „Theater des Daseins“ und „Für eine andere Geschichte“ weiten die Betrachtung auf innere Kämpfe und die Stellung der Kunst in der Gesellschaft aus.

Diese thematischen Zugänge legen nicht für alle Künstlerinnen dieselbe Biografie fest. Vielmehr ermöglichen sie den Vergleich von Werken und Erfahrungen, die sich mit dem Begriff „autodidaktisch“ allein nicht zusammenfassen ließen. Ein Teil des Reizes des Projekts liegt gerade in der Spannung zwischen gemeinsamen Kategorien und individuellen Lebenswegen.

Formen betrachten, bevor man sie erklärt

Der Ausstellungstext des Museums beschreibt üppige Formen, intime Visionen und Gesten der Rebellion. Das sind Orientierungspunkte, die die Institution anbietet, keine Deutung, die sich jeder einzelnen Arbeit aufdrängen muss. Vor einem Werk kann man auch ganz einfach beginnen: die Linien, Farben und Materialien betrachten und darauf achten, wie eine Form die Fläche einnimmt. Eine persönliche Lesart kann sich anschließend auf Hintergrundinformationen stützen, ohne auf eine Biografie reduziert zu werden.

Das LaM nennt unter anderem „Frau im orangefarbenen Kleid und blaues Pferd“ von Baya, datiert auf etwa 1947. Laut Werkangaben handelt es sich um Gouache und Bleistift auf Papier im Format 74,7 × 91,6 cm. Diese Details bieten konkrete Anhaltspunkte für die Betrachtung: die Technik, den Maßstab und die im Titel genannten Elemente. Sie reichen nicht aus, um die Bedeutung des Werks festzustellen, ermöglichen aber eine Beschreibung, ohne ihm von vornherein ein universelles Symbol oder eine vermeintliche Absicht zuzuschreiben.

Der Kontext kann diese Betrachtung bereichern. Zu wissen, dass ein Werk aus der Sammlung von L’Aracine stammt, als Leihgabe gezeigt wird oder neben Arbeiten anderer Künstlerinnen präsentiert wird, hilft, Entscheidungen zur Bewahrung und zur Gegenüberstellung zu verstehen. Die Provenienz eines Werks ist somit eine Information zur Bewahrung; die Betrachtung hängt auch davon ab, welche Gegenüberstellungen der Rundgang vorschlägt.

Eine Ausstellung, die den kunsthistorischen Bericht erweitert

Die Ausstellung wird von Savine Faupin, Leiterin der Art-brut-Sammlung des LaM, und Christophe Boulanger, wissenschaftlichem Mitarbeiter dieser Sammlung, kuratiert. Das Museum kündigt einen Rundgang an, der aus den eigenen Beständen und durch Leihgaben gespeist wird. Diese Verbindung von Sammlung und Leihgaben ermöglicht es, eine umfangreichere Auswahl zusammenzustellen, als sie eine einzelne Institution allein bieten könnte, und wirft zugleich eine grundlegende Frage auf: Wie lassen sich Künstlerinnen sichtbar machen, deren Praktiken, Status und Formen der Anerkennung sich unterscheiden?

Der Titel „Singulières“ lenkt die Aufmerksamkeit auf einzelne Persönlichkeiten, während der Untertitel „Künstlerinnen, Autodidaktinnen, Befreite“ mehrere Lesarten eröffnet. Der Plural ist wichtig: Er lädt dazu ein, die verschiedenen Lebenswege nicht miteinander zu verwechseln. Der Begriff der Befreiung gehört seinerseits zum Rahmen der Ausstellung. Er kann den Blick auf Kunst als Raum der Emanzipation und Veränderung lenken – Themen, die das Museum mit seinem Projekt verbindet, ohne damit jedes Werk und jedes Leben zusammenzufassen.

Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags von 11:00 bis 19:00 geöffnet. Das LaM gibt den regulären Eintrittspreis mit 11 € und den ermäßigten Preis mit 9 € an. Zur Vorbereitung des Besuchs stellt das Museum außerdem ein Ausstellungsheft bereit. Diese praktischen Hinweise begleiten das Wesentliche: sich Zeit zu nehmen, das tatsächlich Gezeigte zu betrachten und anschließend zu unterscheiden, was das Werk sichtbar macht und was der Kontext – und die Darstellung der Institution – zum Verständnis beitragen.